Da Venezia a Lucca. Aron Demetz 2009-2011
	Luca Beatrice

I Fell Into A Burning Ring Of Fire
I Went Down, Down, Down
And The Flames Went Higher
Johnny Cash, Ring of Fire, 1963

Più ancora della pittura, la scultura ha dovuto ibridarsi per “resistere” all’assalto dei linguaggi contemporanei, fondendosi di volta in volta con l’oggetto, l’installazione, il design, il video, la performance e varie altre discipline. Dello storico dogma per il quale la scultura doveva essere il risultato di un manufatto realizzato dall’autore con un’aderenza, una conoscenza, un dominio dei materiali, oggi è rimasto ben poco. Lo stereotipo dello scultore con grandi mani, fisicamente forte, intossicato da polvere e scorie, talora impresentabile in pubblico, ha lasciato il posto a un “ingegnere” dell’arte, capace di manovrare le maestranze, dirigere gli artigiani, capire quando il suo progetto ha trovato quella forma definitiva che lui aveva in testa.
Questo cambiamento di prospettiva, e in qualche modo di personaggio, è andato di pari passo con un altro pressante interrogativo riguardo al ruolo della scultura come arte contemporanea. Tra pochi anni festeggeremo il secolo del Ready Made duchampiano: magari non è quello il primo oggetto bello e pronto promosso sul campo opera d’arte attraverso il volere demiurgico dell’autore, ma certamente è stato quello il gesto rivoluzionario che, ribaltando la prospettiva, ci ha introdotto nel secolo XX o del contemporaneo. Dopo è sembrato davvero difficile mantenere un ruolo attivo e attuale a quella scultura “figurativa” o comunque di rappresentazione del reale attraverso una semplice immagine: perché sforzarsi di copiare qualcosa quando il dibattito si è spostato altrove? Dalla Ruota di bicicletta in poi tutto è invecchiato di colpo: Michelangelo e Canova, Rodin e Picasso, capolavori di grandi maestri di pertinenza della storia ma non apparentabili all’urgenza del presente.
L’arte, non tutta l’arte, non segue pedestremente la linea evoluzionistica. Affermarlo è però rischioso, poiché rischia di “ghettizzare” quelle importanti esperienze eterodosse che scelgono espressioni ai margini della tradizione. Fare scultura figurativa equivale a correre un rischio molto forte di anti-contemporaneità, eppure sono diversi gli artisti celebrati dal sistema internazionale ad aver scelto questo linguaggio senza preoccupazione: Stephan Balkhenol, Marc Quinn, Thomas Schütte, Juan Munoz (scomparso all’inizio degli anni Novanta) sono i primi esempi di superstar contemporanee presenti nelle collezioni dei più importanti musei internazionali, e a nessuno verrebbe in mente di dequalificarli a un livello secondario di scultori figurativi che si esprimono attraverso un cliché o una maniera, anche se spesso non è facile afferrare la differenza con altri colleghi meno sofisticati dal punto di vista concettuale.
Aron Demetz appartiene di diritto a questa prima schiera di artisti, e proprio per questo motivo non ho avuto alcuna esitazione nel selezionarlo per il Padiglione Italia alla Biennale di Venezia nel 2009. Nonostante la giovane età (i tempi di maturazione della scultura sono tradizionalmente più lunghi rispetto ad altri linguaggi) l’artista gardenese già da diversi anni mostrava una piena maturità e, soprattutto, la capacità di porre interrogativi pressanti sul presente pur rivolgendosi non solo alla tradizione figurativa, ma addirittura confondendosi con lo stile degli artigiani locali che adoperano quale unico materiale d’elezione il legno. Intuizione brillante quella di considerare la “filiera corta” un valore aggiunto e non un limite. Rispetto all’inseguire, da parte della giovane arte italiana alla caccia di un riposizionamento nel sistema globale, un generico “international style”, Demetz insiste nel considerare le proprie radici culturali in quanto punto di partenza che rende 
l’opera davvero necessaria. All’Arsenale presentò una gigantesca installazione composta di nove sculture in legno grezzo e resina. La riflessione sull’uomo si poneva ancora una volta al centro del suo discorso poetico. La scultura, in questo caso, semplicemente rappresenta o dice, meglio evoca, qualcos’altro?
Noi sappiamo che qualsiasi modo di fare arte contemporanea nel presente passa attraverso il minimalismo e la definitiva smaterializzazione dell’oggetto culmimata alla fine degli anni Sessanta. Aldilà del rimando a un’immagine realista, c’è molta più distanza tra un normale scultore figurativo e Demetz che tra lo stesso e un pavimento di Carl Andre o una passeggiata nei boschi di Hamish Fulton. Perché la scultura non è che il completamento di un progetto che prevede l’esperienza diretta, il vissuto, la ricerca esistenziale. Questi artisti raccontano la storia del legno, di una pietra, di un corso d’acqua, parlano del difficile rapporto tra la nostra specie e la natura, si pongono nel problema del rispetto verso le materie prime, dell’equilibrio con l’ambiente, fino a che punto sia lecito intervenire oppure se la forma preesistente sia già di per sé scultura, opera.
Nei lavori esposti a Venezia Aron Demetz ha inserito l’elemento mutabile e transitorio della colata di resina, trattata come un pigmento, un colore, sulla testa e sul tronco delle sue figure scarnificate. 
Come un moderno Thoreau parla di passeggiate nei boschi, all’ossessiva ricerca di un elemento che possa ancora essere usato e manipolato. Attorno alle sue opere si sprigiona un forte odore, lo stesso che emana dalle lesioni indotte o già presenti nelle piante. Lesione è ferita e l’arte non si dà al riparo di sofferenze interiori.
L’esperienza al Padiglione Italia, di poco preceduta dalla mostra personale al PAC di Milano, ha provocato in Demetz un ulteriore scatto qualitativo, testimoniato dal florilegio di opere realizzate nell’ultimo biennio ed esposte in buona parte nella Villa Bottini di Lucca. Movente decisivo l’utilizzo del fuoco purificatore, quell’elemento che con la sua forza potrebbe distruggere tutto, fermato un momento prima, quando è ancora colore, nero. Ecco che la scultura si fonda con la performance, eppure privata, senza pubblico, a segnare un necessario tu per tu dell’artista con la natura. Una lingua di fuoco brucia e forma un anello, come nella canzone di Cash, una casa incendiata (ricorda solo per assonanza iconica l’installazione di Martin Honert, Fire, 1992), il nero assoluto, cupo e defintivo, delle meravigliose opere di Nunzio, a mio avviso il più grande scultore italiano astratto, tanto quanto Demetz lo è in ambito figurativo. In altri lavori Aron torna all’albero, la radice, la matrice, evocando l’opera senza tempo di Penone. Nuove figure, infine, presentano sulla pelle lignea strane escrescenze virali, funghi che spuntano sul nostro corpo impossessandosi rapidamente della perfezione di un’età giovane ormai alle spalle. Capacità di arrivare all’essenza parlando dell’uomo, questo è il quid poetico di Aron Demetz.